Friday Night @ the Berks: All through the House: A Night of Feminist Art and Culture

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For one extraordinary evening, we’re bringing together feminist art, artists, performances, music – and you. Grab a drink, roam the rooms at Hart House on the University of Toronto campus, and get ready to be moved, engaged and entertained.  Join us.  You’re invited!

Join us on Friday Night for All through the House: A Night of Feminist Art and Culture at Hart House (7 Hart House Circle), the main hub of the conference on the University of Toronto campus.

Presented by the Berkshire Conference on the History of WomenHart House, University of Toronto, 1953

19+ (ID required) / Cash Bar

GENERAL ADMISSION: $15 (tickets at the door)
8pm – 11:45 pm

Dinner: 7pm-8:00pm
Art and Culture: 8:00-11:30 pm

8pm – 11:45 pm

Come for all or part of the night! Your ticket is good for the entire evening. You can buy tickets for guests and bring them along.

Here are the different options for conference attendees: 1. Buy a combined ticket for dinner and the cultural line-up. Stay as long as you want. 2. Buy a ticket for just the art and cultural events, take in the early line-up, and then go for dinner. (You could always come back.)  3. Go for dinner nearby (there are lots of cheap and fancy restaurants near campus) and take in as much of the cultural line-up as you want.

Schedule and Program – Art and Culture Events

Exhibition Opening

KWE!  Rebecca Belmore Solo Exhibition Opening & Performance

8pm – 11pm

KWE! is a solo exhibition of Rebecca Belmore’s work, inaugurated by a new performance. Curated by Wanda Nanibush, the exhibition delves into the complicated and fertile relationship between Indigeneity, art and feminism. Kwe, the Anishinaabe (Ojibway) word for woman, is a term of great respect. Belmore’s artistic practice has always engaged the question of what it is to be an Anishinaabe-kwe artist and the contradictions that arise between the different identities: Woman, Anishinaabe, Artist, Indigenous. Patriarchy, and its embeddedness in both Indigenous and Canadian communities through colonialism, (especially in terms of the violence against women), is the subject of much of Belmore’s work. As Anishinaabe-kwe artist, she engages on multiple levels with her culture’s practices and stories on the role of women while keeping Indigenous self-determination central. Belmore’s work underscores the need for an understanding of colonialism within feminisms today.

About the artist: Rebecca Belmore is a Winnipeg-based multi-disciplinary artist from Upsala, Ontario.  In 2013 she won the Governor General Award in Visual and Media Arts. She gained international acclaim at the Venice Biennale’s Canadian Pavilion where she was the first Indigenous woman to represent Canada. Belmore has exhibited and performed nationally and internationally since 1987.


FBI Family by Amy Gottlieb

8pm – 11pm

Combining 1950s family photos with my mother’s FBI files, FBI Family, speaks to historic and contemporary issues around state surveillance. While the family photos seem ordinary and representative of domestic photography of the period, the layering injects a counter-narrative of classification, suspicion and control.

These FBI files were the constant wallpaper of my life as a red diaper baby growing up in New York. Both of my parents were members of the Communist Party and dinner conversation always included a large helping of political discussion and passing mention of phones being tapped and calls from the FBI. However, once the conversation moved on to the street, it became hushed. I learned fast that the U.S. government reviled my parents and all dissidents who imagined and worked for peace and justice.

 FBI Family speaks to the personal and political textures of surveillance and security. These images ask the viewer to think about the power of the “security state” and dominant notions of “public safety” and their impact on democracy.

About the artist: Amy Gottlieb is a Toronto-based artist and educator.  Born and raised in New York City, she moved to Canada in 1972. Amy teaches photography and art at a Toronto high school. Her artwork explores family histories, the intersection of personal and historical memory and the relationship between cognitive and body memories. Her latest photo-based work, “FBI Family” speaks to the social and political textures of state surveillance, both historic and contemporary. More information and artwork can be found on her website:


Chanting the Visions: The music of Hildegard von Bingen

8pm – 9pm

Join Janet Youngdahl for a workshop on singing the chant of medieval mystic Hildegard von Bingen (1098-1179). This workshop will introduce Hildegard’s musical notation by giving rudimentary and practical instruction in singing from facsimiles of her work. Several of her chants will be introduced and after briefly exploring the texts, the chants will be taught by rote. Workshop participants will experience two significant contrasting works.  The first chant, Quia Ergo will serve as a brief introduction to Hildegard’s vision of Eve -bringer of life and death- and Maria, exalted fashioner of the link between God and man. The second chant, O Virga Ac Diadema, provides a more direct view of Hildegard as a female leader of extraordinary independence.  This is a chant that offers a window into Hildegard’s life, and is an excellent demonstration of the shifting boundaries between her visions and her practical opinions about the role of religious women.

About the artist: Janet Youngdahl is active as a soprano, academic and choral conductor. She has toured with the ensemble for medieval music Sequentia throughout Europe and North America. She appears with Sequentia as a soloist on seven CD’s of early music including the complete works of Hildegard von Bingen and several discs of Aquitanian Polyphony on the Deutsche Harmonia Mundi/BMG label. In concert, she has appeared at the Lincoln Center Festival in New York City, the Proms in London, the Melbourne Festival in Australia, and in concerts in Amsterdam, Paris, Florence, Cologne, Stockholm, San Francisco, Boston and Chicago.  Recent recordings include several discs of 17th century Italian music by Kapsberger and Castaldi for Toccata Classsics and a disc with Vivian Montgomery and Cecilia’s Circle for Centaur Records featuring cantatas by 18th century composer Elizabet Jacquet de la Guerre with baroque violin, viola da Gamba and harpsichord. Appearances in Baroque operas include Dido and Aeneas with Christopher Hogwood, Orfeo with Apollo’s Fire Baroque Orchestra, Judith with Ex Machina, Acis and Galeatea with Julianne Baird, Venus and Adonis with the Early English Opera Society of London and The Fairy Queen with both the Edmonton Symphony Orchestra and the Calgary Philharmonic. She is an Associate Professor in the department of music at the University of Lethbridge in Alberta, Canada.

The Jubilate Singers

8pm – 9pm

The Jubilate Singers will present a selection of works by Canadian women composers. Some of Canada’s best-loved choral composers are women, including Ruth Watson Henderson and Eleanor Daley, both of whom are based in the Toronto area. The program will also feature songs by Stephanie Martin, Beverly Lewis, and other well-known and emerging composers. Caroline Spearing will be the guest conductor, with Sherry Squires, piano.

About the choir: The Jubilate Singers is a mixed-voice, auditioned chamber choir that has been performing in the Toronto area for over four decades. In addition to singing music of Canadian composers, the choir specializes in an eclectic international repertoire covering Europe, Asia, and Africa, but especially focusing on Spanish, Catalan, and Latin American music. Highlights of recent seasons have included music of the Andean highlands with the Chilean-Canadian ensemble Proyecto Altiplano, an evening of Argentinean tango with Tango Fresco ensemble and Club Milonga tango dancers, and music of the Mediterranean with Middle Eastern instrumentalists led by Maryem Tollar. Since 2001 the choir has been led by music director Isabel Bernaus.

Telmary Diaz in Performance

10:30pm – 11:30pm

Join Telmary Diaz, one of the shining stars of the Cuban underground music movement, in a performance mixing hip-hop and jazz.  Telmary has a long history and a huge following in a mix of musical genres. For more information on Telmary click here and to see an interview with the artist by Havana Cultura click here.

About the artist: Born in Havana, Cuba, Telmary’s first band was Free Hole Negro (1999), one of Cuba’s first hip-hop groups that mixed rap and jazz music with audiovisual performances. In 2002 she joined Interactivo, a collaborative project featuring the biggest names on the Havana alternative music
scene including singer songwriter Yusa, pianist Roberto Carcasses, singer/songwriter William Vivanco, and sonero Francis del Rio. Telmary’s membership in Interactivo propelled her into the elite of Cuba’s music scene, where she made guest appearances with Gema & Pavel, Jane Bunnett, Descemer Bueno, Kelvis Ochoa, Issac Delgado, X Alfonso, and Los Van Van among others. She has performed and recorded with figures from the international hip-hop and electronica community such as Afrika Bambaataa, DJ Raphael Seebag of the United Future Orchestra, and DJ Akakage from Japan. A Diario, her debut album, featured appearances from Cuban rapper Kumar, members of Los Van Van and Spain’s Ojos de Brujo. In May 2007 A Diario was awarded the Cuban Music Award (Cubadisco) for best hip-hop album. The album was released in Europe, Japan and 
Colombia gaining rave reviews and tours which took her to Japan, Spain, Colombia and the U.K. In the U.S., Telmary has recently appeared at the Brooklyn Academy of Music (BAM) and the Hollywood Bowl. Telmary has recently wrapped up recording her second album, “Libre”.

Performance Art

Homage to the City of Women: Leaves of Gold

8pm – 11pm

This performance is a reworked fragment from the 2010 major work, a 14-hour durational performance entitled “6 Images in Search of an Artist: Remix” that was influenced by the French tapestries La tenture de la dame à la licorne, Christine de Pizan’s 15th century novel The City of Ladies and the music of George Crumb. The performance was performed at TheTheatre Centre in Toronto as part of the Free Fall Festival in collaboration with Harbourfront’s World Stage in March of 2010.

About the artist: Tanya Mars is a feminist performance and video artist who has been
involved in the Canadian art scene since 1973. In the 70s and 80s Mars’ work focused on creating spectacular feminist imagery that placed women at the centre of the narrative.  Since the mid-90s her performances have included endurance, durational and site-specific strategies. Her work is political, satrical and humorous. She has worked both independently and collaboratively to create both large-scale as well as intimate performances. She has performed widely across Canada, as well as internationally in Chile, Mexico City, Sweden, Ireland, France, Poland, China, Denmark and Finland.

She currently teaches performance art and video at the University of Toronto Scarborough and is part of the graduate faculty of the Master of Visual Studies Program at the University of Toronto. In 2004 Mars was named artist of the year for the Untitled Arts Awards in Toronto. She is the recipient of a 2008 Governor General’s Award in Visual and Media Arts and was recently an International Artist in Residence at La Cité Internationale des Arts in Paris. In addition a book on her work published by FADO and edited by Paul Couillard, Ironic to Iconic: The Performance Works of Tanya Mars, was published in May of 2008.

Poetry and Lettering

Ruth Pierson: Aide-Mémoire

9pm – 9:30pm

The press release announcing Aide-Mémoire as a finalist for the Governor General’s Literary Award for Poetry in 2008 described Ruth Roach Pierson’s poetry as:  “sophisticated, witty, tender, grieving, ironic, cunning, open-eyed, open-hearted. The poems take us through a lifetime of memories, reflections, and imaginative engagements, traversing several continents and ages, without ever losing their fierce, intimate, ecstatic connection to our common humanity and the living green world, close-up, and all at once, nested among wheeling stars.” It should be noted that “feminist” appears frequently as a descriptor in reviews of her work.

About the poet: Ruth Roach Pierson received her Ph.D. in German history from Yale in 1970.  Her first Berkshire Conference on the History of Women was its second, held at Radcliff in 1974.  Returning transformed to her then home in St. John’s, Newfoundland, she developed the first women’s history course to be taught at Memorial University – a history of feminism offered under the rubric “Contemporary Problems in Historical Perspective” – assuring her students she considered feminism a contemporary solution to a historical problem.   Author/editor of numerous academic works, her best known book in Canada remains “They’re Still Women After All”: The Second World War and Canadian Womanhood (McClelland & Stewart, 1986).  Now professor emerita of the Ontario Institute for Studies in Education of the University of Toronto where she taught women’s history and feminist and post-cultural studies from 1980 until her retirement in 2001, Ruth has published three poetry collections: Where No Window Was (2002), Aide-Mémoire (2007), which was named a finalist for the Governor General’s Literary Award for Poetry in 2008, and CONTRARY (2011).  An anthology of movie poems she had edited entitled I FOUND IT AT THE MOVIES will be published by Guernica Editions in 2014.  She is currently at work on her fourth poetry manuscript.

Lindsay Zier-Vogel:  The Love Lettering Project

8pm – 11pm

The Love Lettering Project is a community arts engagement project bringing love letters to strangers. It has the capacity to transform strangers’ relationship to public space and their communities through social engagement. The Love Lettering Project galvanizes people to talk about what they love about their communities, and engage with the places they live. On Friday Night @ the Berks, join Lindsay Zier-Vogel and write a love letter to a place or idea about which you are passionate.

About the artist:  Lindsay Zier-Vogel is a writer, arts educator, book maker and creator of The Love Lettering Project. Since 2004, she been getting people to write love letters to the places they live, turn them into one-of-a-kind paper collages and slip into airmail envelopes marked “love,” and distribute them anonymously to be discovered later by strangers. In the summer of 2012, she took the project on a 14-event tour of Toronto (funded by the Toronto Awesome Foundation) and in the summer of 2013, took The LLP on a 5-city tour of the UK, funded in part by the Canada Council for the Arts. Over 3,000 love letters have been written in the last nine incarnations of the project. When she’s not writing love letters, Lindsay is working on a novel and giving writing workshops in school and the community. More information about the LLP can be found at:

Elizabeth Heineman: Ghostbelly

9pm – 9:30pm

Ghostbelly is Elizabeth Heineman’s personal account of a home birth that goes tragically wrong—ending in a stillbirth—and the harrowing process of grief and questioning that follows. It’s also Heineman’s unexpected tale of the loss of a newborn: before burial, she brings the baby home for overnight stays.  Does this sound unsettling? Of course. We’re not supposed to hold and caress dead bodies. But then again, babies aren’t supposed to die.  In this courageous and deeply intimate memoir, Heineman examines the home-birth and maternal health-care industry, the isolation of midwives, and the scripting of her own grief. With no resolution to sadness, Heineman and her partner learn to live in a new world: a world in which they face each day with the understanding of the fragility of the present.

About the author: Elizabeth Heineman is Professor of History and Gender, Women’s, and Sexuality Studies at the University of Iowa. There she teaches courses on Germany, World War II and the Holocaust, gender and sexuality in modern Europe, and the history of human rights. She is most recently author of Before Porn was Legal: The Erotica Empire of Beate Uhse (2011) and editor of Sexual Violence in Conflict Zones: From the Ancient World to the Era of Human Rights (2011).


It’s Only Sounds That Remains: A Sound Theatre Performance

9:30pm – 10:30pm

It’s Only Sound That Remains is the story of Montreal-based artist, Shahrzad Arshadi coming into contact with an exceptional woman, Ziba Kazemi – a Montreal-based photo-journalist, after her tragic death at the hands of Iranian authorities in the summer of 2003. An experimental and innovative project using the words, archival recordings and voice of Ziba Kazemi, herself, It’s Only Sound That Remains creates a living document to honour and celebrate this Montrealer’s life. Written and directed by Shahrzad Arshadi with collaboration from Caroline Künzle and Moe Clark.

Sounds are playing softly in the space. After everyone is settled, the lights go out. The play begins. We hear a voice; it is Ziba.  It’s an invocation of her spirit that exists beyond our visual realm. Sounds of archival conversations and audio footage of her life, music, her conversations with her four-year old son (Salman) Stephan while Ziba prepared dinner, teaching him to say certain phrases, mixed with professional actors reading from the script, sometimes in French, in Farsi, in English, these private moments heard by the audience in the dark, allow each person listening to draw an image of this living, breathing woman and her life in their mind’s eye and come into the intimate sphere of a woman whose life became very public only after her death.

 sound, sound, only sound,
the sound of limpid wishes
of water flowing,
the sound of starlight falling
on the wall of earth’s femininity
the sound when meaning begins
at the expansion of loves shared mind.
sound, sound, sound,
only sound remains………

                        Forough Farrokhzad

About the artists:
Writer and director:  Shahrzad Arshadi
Producer: Caroline Künzle
With the collaboration of: Moe Clark (dub poet).
Yassaman Ameri   &  Javad Sahebi (actors, playing Ziba Kazemi and Ali Hashemi)

Karuppi (the dark woman)

8pm – 9pm

Karuppi (the dark woman) is a one-woman performance in English/Tamil/Creole. The play, originally created in Tamil is a collection of writing by and about Tamil speaking women who traveled across oceans from Tamilnadu and Sri Lanka for work or were displaced by war. It shows the myriad issues women face in this process and the legal, ethical and moral decisions they take to deal with them. The script consists of poetry (set to tune in some instances), traditional folk songs, excerpts from short stories and excerpts from related government documents. The stories date back to the early 19th Century to the present day. The play swings between pathos and comedy; oppression and ‘agency’. It tells this complex multifaceted story of the Karuppi, while urging all of us to rethink our identities and our ‘naming’ by ourselves, others and the world at large.The play premiered among the women who are being portrayed in the play in various parts of northern, eastern and central Sri Lanka. It was performed in small rooms with 20-40 working women from these regions. It was also performed for an audience of Sri Lankan Tamil diaspora earlier this year. The journey of the play has played an integral part in shaping its present form.

About the artists:
Script: written by V.Geetha, feminist historian and activist, Tamilnadu, India
Direction: A. Mangai, feminist theatre practitioner, Tamilnadu, India
Production: The Marappachi Trust, a voluntary collective that creates theatre pieces on a range
of subjects from a feminist perspective.
Sets and stage management: Indu Vashist, queer feminist activist and researcher, Toronto, Canada. Member, Marappachi Collective.
Actor: Ponni Arasu, Tamil queer, feminist, activist, researcher and theatre practitioner. Graduate student, Department of History, University of Toronto.

Le petit coin intact: A bilingual performed autoethnography

9:30pm – 10:30pm

Le petit coin intact is a bilingual (FR/EN) performed monologue with soundscape and projections.  The title of this series of short vignettes refers to a core of wholeness and strength so often contained in even the most extreme narratives of violence. Anchored in the performer’s own family story, it explores shared concerns and aspirations around the intergenerational legacy of trauma.

I have been struggling for decades with what it means to be Rwandan-Canadian – what Rwanda’s tortured narrative of colonialism, war, genocide, dislocation and poverty has meant and could mean for my family, my community, my country, my world. I have some ideas. But before I can ask others to risk moving toward the wellness I long for, I must grab the talking stick, step into the story circle and explore those risks myself.

This is a one-woman dramatic reflection about holding on tightly to the things worth holding. . . and shedding everything else.

About the artists: 

Creator/performer: Lisa Ndejuru

I have been struggling for decades with what it means to be Rwandan-Canadian – what Rwanda’s tortured narrative of colonialism, war, genocide, dislocation and poverty has meant and could mean for my family, my community, my country, my world. I have some ideas. But before I can ask others to risk moving toward the wellness I long for, I must grab the talking stick, step into the story circle and explore those risks myself.

Soundscape and projections: David Ward

Queer Bathroom Stories

9:30pm – 10:30pm

Queer Bathroom Monologues is a performance ethnography about lesbian, gay, bisexual, and trans- experiences in Canada’s public facilities written by Sheila Cavanagh. It is based on 100 interviews with LGBT folks conducted for the award winning Queering Bathrooms: Gender, Sexuality and the Hygienic Imagination (2010) book also published by Cavanagh. The stories open our eyes to the secret sex life of the bathroom and to the historical cultural politics of the gendered rooms. You will never look at the toilet the same way after witnessing the tragic and passionate reenactments of life in the water-closet.

An amateur production of the play premiered at the Toronto Fringe Festival, July 6-17, 2011, and won the Audience Pick Award. QBM has since been staged and read at human rights conferences, universities and colleges throughout Canada and the United States.  The play will be professionally staged at Buddies in Bad Times Theatre, Toronto, Canada, in June 2014.

Visit for more information.

About the artists:

Director: Megan Watson
Actor: Hallie Burt
Actor: Tyson James
Actor: Chy Ryan Spain
Playwright: Sheila Cavanagh

Women Strike at Eatons 1984/85

8pm – 9pm

This is an original play about Toronto retail workers’ experiences on strike in 1984 -1985 at what was once Canada’s largest retail establishment, Eaton’s. Organized Working Women, a trade union women’s organization, along with the Labour Council of Metropolitan Toronto, played a crucial role in martialling broad union, women’s movement and community support for the strike through the Women’s Strike Support Coalition. Dramatic rallies, marches, concerts, and media coverage characterized this strike and resulted in broad public support for the workers’ struggle against this Canadian retail icon.  It was quite a time.

About the artists:

Director: Vrenia Ivonoffski is the founding artistic director of ACT II STUDIO.  She has been on the Acting Faculty at George Brown Theatre School since 1987 and has taught acting at Ryerson Theatre School, the University of Guelph, and Sheridan College.  Vrenia has 30 plus directing credits at theatres including the Gryphon Theatre, Blyth Festival, Huron Country Playhouse, Harbourfront Theatre, Ford Centre and Calgary Fringe.  A playwright and dramaturg, she has written 12 plays, among them Leacock Live!, a musical she adapted from Leacock’s work, and which was awarded Patrons’ Pick at the 2010 Toronto Fringe Festival.  

Vendredi Soir à la Berks : Une soirée d’art et de culture

Joignez-vous à nous pour un Vendredi soir@la Berks à la salle Hart House (7, Hart House Circle), le carrefour central de la conférence sur le campus de l’Université de Toronto.

Nous avons préparé un programme exceptionnel d’art, de musique, de performances et de théâtre. Les activités se dérouleront partout dans l’édifice et le programme complet sera disponible au début de 2014.

Venez pour toute la soirée ou pour une partie de celle-ci. Votre billet vous donne accès à toute la soirée. Vous pouvez acheter des billets pour d’autres personnes et les amener avec vous.

ENTRÉE:  15$ (tickets sur place)
8-11:30 pm

Souper: 7-8pm
Événements artistiques et culturels: 8-11-30pm

8-11:30 pm

Bar payant sur place pour les personnes de plus de 19 ans

Voici les différentes options: 1. Achetez un billet pour le souper et le programme culturel. Restez aussi longtemps que vous voulez. 2. Achetez un billet pour la partie art et spectacle, assistez au début du programme, puis allez souper quelque part. (Vous pouvez toujours revenir.) 3. Allez d’abord souper dans un endroit pas trop éloigné (il y a beaucoup de restaurants simples ou de luxe près du campus) et revenez participer à autant d’activités culturelles que vous le souhaitez.

Programme des Événements artistiques et culturels

Inauguration de l’exposition

Vernissage de l’exposition solo KWE! de Rebecca Belmore et Performance


KWE! est une exposition solo de l’œuvre de Rebecca Belmore, inaugurée par une nouvelle performance. Organisée par Wanda Nanibush, l’exposition se penche sur la relation complexe et fertile entre l’indigénité, l’art et le féminisme. Kwe, le mot Anishinaabe (Ojibwa) désignant la femme, est un terme de grand respect. La pratique artistique de Belmore s’est toujours posé la question de ce que c’est d’être une artiste Anishinaabe-kwe et les contradictions qui surgissent entre ces différentes identités: Femme, Anishinaabe, artiste, indigène. Le patriarcat, et son enracinement dans les communautés autochtones et canadiennes par le biais du colonialisme, (en particulier en termes de violence contre les femmes), est l’objet d’une bonne part du travail de Belmore. Comme artiste Anishinaabe-kwe, elle aborde à plusieurs niveaux les pratiques et les récits touchant le rôle des femmes de sa culture tout en laissant une place centrale à l’autodétermination des peuples autochtones. Le travail de Belmore souligne la nécessité d’une compréhension du colonialisme dans les féminismes contemporains.

À propos de l’artiste: Rebecca Belmore est une artiste multidisciplinaire basée à Winnipeg et originaire d’Uppsala, en Ontario. En 2013, elle a remporté le Prix du Gouverneur général en arts visuels et en arts médiatiques. Elle a acquis une renommée internationale au pavillon canadien de la Biennale de Venise où elle a été la première femme autochtone à représenter le Canada. Belmore a exposé et réalisé des performances aux échelons national et international depuis 1987.


La famille FBI, par Amy Gottlieb


En combinant des photos de famille des années 1950 et les fichiers du FBI sur ma mère, La famille FBI traite de questions historiques et contemporaines liées à la surveillance par l’État. Alors que les photos de famille semblent ordinaires et typiques de la photographie domestique de cette période, le traitement graphique multicouche y injecte un contre-récit de classification, de soupçon et de contrôle.

Ces fichiers du FBI étaient l’arrière-plan continuel de ma vie en tant qu’enfant d’un couple de gauche qui a grandi à New York. Mes deux parents étaient membres du Parti communiste et la conversation autour de la table à dîner incluait toujours une bonne portion de politique et des mentions au passage de mises sur écoute téléphonique et d’appels du FBI. Cependant, quand ces conversations migrèrent sur la rue, elles devinrent étouffées. J’appris rapidement que le gouvernement américain avait diffamé mes parents et tous les dissidents qui imaginaient et travaillaient pour un monde de paix et de justice.

Famille FBI s’adresse aux textures personnelles et politiques de l’espionnage et de la sécurité publique. Ces images invitent chaque spectatrice et spectateur à réfléchir à la puissance de l’«État sécuritaire», aux notions dominantes de «sécurité publique» et à leur impact sur la démocratie.

À propos de l’artiste: Amy Gottlieb est une artiste et éducatrice de Toronto. Née et élevée à New York, elle a déménagé au Canada en 1972. Amy enseigne la photographie et l’art dans une école secondaire de Toronto. Son œuvre explore les antécédents familiaux, l’intersection de la mémoire personnelle et historique et la relation entre les souvenirs cognitifs et physiques. Son plus récent projet à caractère photographique, «La famille FBI» s’adresse aux textures personnelles et politiques de l’espionnage et de la sécurité publique, à la fois historique et contemporaine. On peut consulter plus de renseignements et d’images sur son site Web:


Chanter les Visions: La musique d’Hildegarde von Bingen


Joignez-vous à Janet Youngdahl pour un atelier de chant des cantiques de la mystique médiévale Hildegarde von Bingen (1098-1179). Cet atelier présentera sommairement la notation musicale d’Hildegarde, avec des directives rudimentaires et pratiques de chant à partir de fac-similés de ses partitions. Plusieurs de ses cantiques seront présentées et après une brève exploration des textes, ils seront enseignés par cœur. Les participants aux ateliers découvriront deux œuvres contrastées importantes. Le premier de ces Chants de l’extase, Quia Ergo, servira de brève introduction à la vision hildegardienne d’Ève, porteuse de vie et de mort et de Marie, artisane exaltée du lien entre Dieu et l’homme. Le second chant, O Virga Ac Diadema, offre un aperçu plus direct d’Hildegarde comme leader féminine dotée d’une extraordinaire indépendance. C’est un cantique qui ouvre une fenêtre sur la vie d’Hildegarde, et une excellente démonstration des frontières mouvantes entre ses visions et ses avis pratiques sur le rôle des femmes religieuses.

À propos de l’artiste: Janet Youngdahl est active en tant que soprano, universitaire et cheffe de chœur. Elle a effectué des tournées avec l’ensemble de musique médiévale Sequentia dans toute l’Europe et l’Amérique du Nord. Elle apparaît avec Sequentia en tant que soliste sur sept CD de musique ancienne, dont les œuvres complètes d’Hildegarde von Bingen, et sur plusieurs disques d’Aquitanian Polyphony sur étiquette Deutsche Harmonia Mundi/BMG. En concert, elle a chanté au Festival du Lincoln Center à New York, aux Proms de Londres, au Festival de Melbourne en Australie, ainsi qu’en concert à Amsterdam, Paris, Florence, Cologne, Stockholm, San Francisco, Boston et Chicago. Ses enregistrements récents comprennent plusieurs disques de musique italienne du 17ème siècle de Kapsberger et Castaldi pour l’étiquette Toccata Classsics, ainsi qu’un disque avec Vivian Montgomery et Cecilia’s Circle pour Centaur Records, où elle chantait des cantates de la compositrice du 18ème siècle Elizabet Jacquet de La Guerre, avec accompagnement de violon baroque, viole de gambe et clavecin. Ses apparitions dans des opéras baroques incluent Didon et Énée avec Christopher Hogwood, L’Orfeo avec l’Apollo’s Fire Baroque Orchestra, Judith avec Ex Machina, Acis et Galatée avec Julianne Baird, Vénus et Adonis avec l’Early English Opera Society of London et la Fairy Queen avec l’Edmonton Symphony Orchestra et le Calgary Philharmonic. Elle est professeure agrégée au département de Musique de l’Université de Lethbridge, en Alberta, au Canada.

Les Jubilate Singers


Les Jubilate Singers présenteront une sélection d’œuvres de compositrices canadiennes. Certaines des compositrices chorales les plus aimées du Canada sont des femmes, y compris Ruth Watson Henderson et Eleanor Daley, toutes deux basées dans la région de Toronto. Le programme mettra également en vedette des chansons de Stephanie Martin, Beverly Lewis et d’autres compositrices bien connues et émergentes. Caroline Spearing sera le chef invité, avec Squires Sherry au piano.

À propos de la chorale: Les Jubilate Singers sont un chœur de chambre auditionné, à voix mixtes, qui s’exécute dans la région de Toronto depuis plus de quatre décennies. En plus de chanter la musique de compositeurs canadiens, le chœur se spécialise dans un répertoire éclectique international couvrant l’Europe, l’Asie et l’Afrique, mais avec une concentration particulière en musiques espagnole, catalane et latino-américaine. Ses réalisations des plus récentes saisons ont inclus la musique de la cordillère des Andes avec l’ensemble chilien-canadien Proyecto Altiplano, une soirée de tango argentin avec l’ensemble Tango Fresco et les danseurs de tango Club Milonga, et la musique de la Méditerranée avec des instrumentistes du Moyen-Orient dirigés par Maryem Tollar. Depuis 2001, le chœur a pour directrice musicale Isabel Bernaus.

Telmary Diaz en performance


Joignez-vous à Telmary Diaz, l’une des étoiles scintillantes du mouvement cubain de la musique underground, dans un mélange de hip-hop et de jazz. Telmary a une longue feuille de route et un énorme fan club dans toute une gamme de genres musicaux.  Pour plus d’informations cliquez ici et pour une entrevue avec l’artiste cliquez ici

À propos de l’artiste: Née à La Havane, à Cuba, la première formation musicale de Telmary a été Free Hole Negro (en 1999), l’un des premiers groupes cubains de hip-hop à avoir fusionné le rap et la musique de jazz avec des spectacles audiovisuels. En 2002, elle rejoint Interactivo, un projet de collaboration avec les plus grands noms de la musique alternative havanaise, dont la compositrice et interprète Yusa, le pianiste Roberto Carcasses, le compositeur et interprète William Vivanco, et l’improvisateur Francis del Rio. La participation de Telmary à Interactivo l’a propulsée dans l’élite de la scène musicale de Cuba, où elle fait des apparitions avec Gema et Pavel, Jane Bunnett, Descemer Bueno, Kelvis Ochoa, Issac Delgado, X Alfonso et Los Van Van, entre autres. Elle a joué et enregistré avec des stars de la communauté internationale de musique hip-hop et électronique comme Afrika Bambaataa, DJ Raphael Seebag de l’United Future Orchestra et DJ Akakage du Japon. A Diario, son premier album, comprenait des participations du rappeur cubain Kumar, de membres de Los Van Van et de la formation espagnole Ojos de Brujo. En mai 2007, A Diario a reçu le prix musical cubain (Cubadisco) du meilleur album hip- hop. L’album est sorti en Europe, au Japon et en Colombie où il a bénéficié de critiques élogieuses et suscité des tournées qui ont emmené Telmary au Japon, en Espagne, en Colombie et au Royaume-Uni. Aux États-Unis, Telmary a récemment performé à la Brooklyn Academy of Music (BAM) et au Hollywood Bowl. Elle vient de boucler l’enregistrement de son deuxième album, ” Libre”.


Hommage à la Cité des Dames: Feuilles d’Or


Cette performance est un fragment remanié d’un grand œuvre produit en 2010 par Tanya Mars, une performance-fleuve de 14 heures intitulée « 6 Images en quête d’une artiste: Remix », inspirée par les tapisseries françaises La tenture de la Dame à la Licorne, par le roman du XVe siècle de Christine de Pisan La Cité des dames et par la musique de George Crumb. Cette performance a été réalisée à The Theatre Centre de Toronto dans le cadre du Free Fall Festival en collaboration avec le World Stage du Harbourfront en mars 2010.

À propos de l’artiste: Tanya Mars est une performer féministe et vidéaste, impliquée dans la scène artistique canadienne depuis 1973. Dans les années 70 et 80, ses travaux mettaient l’accent sur la création d’une imagerie féministe spectaculaire, qui plaçait les femmes au centre du récit. Depuis le milieu des années 90, ses performances ont adopté des stratégies d’endurance et de durée, spécifiques aux sites. Son travail est politique, satirique et humoristique. Elle a travaillé de façon autonome et en collaboration pour créer des spectacles intimes et d’autres à grande échelle. Elle a joué un peu partout au Canada, ainsi qu’à l’étranger au Chili, au Mexique, en Suède, en Irlande, en France, en Pologne, en Chine, au Danemark et en Finlande.

Elle enseigne actuellement l’art de la performance et la vidéo à l’Université de Toronto à Scarborough et effectue des études supérieures au programme de maîtrise en Études visuelles de l’Université de Toronto. En 2004, Mars a été nommé artiste de l’année aux Untitled Arts Awards de Toronto. Elle a reçu en 2008 un Prix du Gouverneur général en arts visuels et médiatiques et a récemment été artiste internationale en résidence à La Cité Internationale des Arts à Paris. En outre, un livre sur son travail a été publié en mai 2008 par FADO sous la direction de Paul Couillard, Ironic to Iconic: The Performance Works of Tanya Mars.

Poésie et Spoken Word

Ruth Pierson: Aide-mémoire


Le communiqué de presse annonçant qu’Aide-mémoire était retenu comme finaliste pour le Prix littéraire du Gouverneur général pour la poésie en 2008, décrit l’art de Ruth Roach Pierson comme: «sophistiqué, subtil, tendre, triste, ironique, fin, lucide, sincère. Ses poèmes nous transmettent les souvenirs, les réflexions et l’imagination de toute une vie, traversant les continents et les âges sans perdre leur virulente, intime et enthousiaste relation avec l’humanité dans laquelle nous vivons et la nature qui nous entoure – leur proximité – tout en logeant parmi les étoiles filantes.» Il convient de noter que «féministe» apparaît fréquemment aussi comme qualificatif dans les recensions de son œuvre.

A propos de la poète: Ruth Roach Pierson a obtenu son doctorat en Histoire allemande à Yale en 1970. Sa première Conférence Berkshire sur l’histoire des femmes était la seconde, qui s’est tenue à Radcliffe en 1974. Revenant transformée à son domicile d’alors, à Saint-Jean, Terre-Neuve, elle a élaboré le premier cours d’histoire des femmes à être enseigné à l’Université Memorial – une histoire du féminisme offerte sous la rubrique «Questions contemporaines dans une perspective historique» – assurant ses élèves qu’elle considérait le féminisme comme une solution contemporaine à un problème historique. Auteure et éditrice de nombreux ouvrages universitaires, elle est surtout connue au Canada pour son livre They’re Still Women After All: The Second World War and Canadian Womanhood (McClelland & Stewart, 1986). Aujourd’hui professeure émérite de l’Institut d’études pédagogiques de l’Ontario de l’Université de Toronto, où elle a enseigné l’histoire des femmes et les études féministes et postcoloniales de 1980 jusqu’à sa prise de retraite en 2001, Ruth a publié trois recueils de poèmes: Where No Window Was (2002), Aide-Mémoire (2007), qui a été finaliste pour le Prix littéraire du gouverneur général pour la poésie en 2008, et CONTRARY (2011). Une anthologie de poèmes sur les films assemblés par elle sera publiée aux Éditions Guernica en 2014 sous le titre I FOUND IT AT THE MOVIES. Elle travaille présentement à un quatrième recueil de poèmes.

Lindsay Zier-Vogel:  Le Projet des lettres d’amour


Le Projet des lettres d’amour est un projet d’art communautaire consistant à écrire des lettres d’amour à des étrangers. Il vise à transformer la relation de ces personnes à l’espace public et à leur communauté par le biais de l’implication sociale. Le Projet des lettres d’amour incite les gens à exprimer ce qu’ils aiment de leur communauté, et à s’impliquer dans leur milieu de vie. Le vendredi soir à la Berks, joignez-vous à Lindsay Zier-Vogel et venez adresser une lettre d’amour à un lieu ou à une idée qui vous passionne.

À propos de l’artiste:  Lindsay Zier-Vogel est écrivaine, enseignante en arts, éditrice-artisane et créatrice du Projet des lettres d’amour. Depuis 2004, elle a amené les gens à écrire des lettres d’amour aux lieux où elles et ils habitent, à les transformer en collages originaux, à les glisser dans des enveloppes de courrier aérien portant la mention «amour» et à les distribuer anonymement pour être découvertes plus tard par des étrangers. À l’été 2012, elle a présenté ce projet lors d’une tournée de 14 événements à Toronto (financée par la Toronto Awesome Fondation). À l’été 2013, grâce à un financement partiel du Conseil des Arts du Canada, elle a présenté le Projet lors d’une tournée de cinq 5 villes du Royaume-Uni. Plus de 3000 lettres d’amour ont ainsi été écrites au cours des neuf dernières versions du projet. Lorsqu’elle n’écrit pas de lettres d’amour, Lindsay travaille à l’écriture d’un roman et donne des ateliers d’écriture dans les écoles et dans la communauté. Pour plus d’informations sur le Projet des lettres d’amour, consultez l’adresse suivante:


It’s Only Sounds That Remains: un spectacle de théâtre sonore


Seul le son demeure est l’histoire de Shahrzad Arshadi qui prend contact avec une femme exceptionnelle, Ziba Kazemi, après sa mort tragique aux mains des autorités iraniennes pendant l’été 2003. Cette performance de théâtre sonore est un projet expérimental et innovateur utilisant les paroles, les archives sonores et la voix de Ziba Kazemi elle-même, pour créer une performance sonore en direct. Seul le son demeure constitue un document vivant en hommage en célébration de la vie de cette Montréalaise. Le spectacle a été rédigé et scénographié par Shahrzad Arshadi, de concert avec Caroline Künzle et Moe Clark.

Des sons jouent en douceur. Quand tout le monde est installé, les lumières s’éteignent. La pièce commence. Nous entendons une voix. C’est Ziba. Cette voix est une invocation de son esprit existant au-delà de notre domaine visuel. Nous entendons de la musique et des sons de conversations d’archives et de bandes audio, comme avec son fils de quatre ans, (Salman) Stephan, pendant qu’elle prépare le dîner, en lui enseignant certaines phrases. Ces sons sont tissés, entrelacés avec ceux de comédien(ne)s lisant un scénario, tantôt en français, tantôt en anglais, tantôt en farsi. Ces moments intimes d’une vie vécue, entendus par l’auditoire dans l’obscurité, permettent au public de découvrir et visualiser mentalement, une image de cette femme qui vit et qui respire. Ils et elles entrent par l’imaginaire dans la sphère intime d’une femme dont la vie n’est devenue très publique qu’après sa mort.

Son, son, seulement le son,
le son des désirs limpides
de l’eau qui s’écoule,
le son de la chute de la lumière stellaire
sur le mur de la féminité terrestre
le son quand la signification commence
et l’expansion de l’esprit partagé de l’amour.
Son, son, son,
seul le son demeure……….”

                        Forugh Farrokhzad

À propos des artistes:

Scénariste et réalisateur: Shahrzad Arshadi
Productrice: Caroline Künzle
Avec la collaboration de: Moe Clark (poète dub).
Yassaman Ameri et Javad Sahebi (acteurs, jouant Ziba Kazemi et Ali Hashemi)

Karuppi (la femme sombre)


Karuppi (la femme sombre) est un one-woman show exécuté en anglais, tamoul et créole. La pièce, créée à l’origine en tamoul, est une collection d’écrits par et sur les femmes tamoules francophones qui ont traversé les océans à partir du Tamilnadu et du Sri Lanka pour trouver du travail ou pour fuir la guerre. Elle montre la myriade de problèmes auxquels les femmes sont confrontées dans ce processus et les décisions juridiques, éthiques et morales qu’elles prennent pour composer avec eux. Le scénario se compose de poèmes (mis en musique dans certains cas), de chansons folkloriques traditionnelles, d’extraits de récits et de citations de documents gouvernementaux apparentés. Les histoires remontent au début du 19e siècle à nos jours. La pièce fluctue entre le pathos et la comédie, entre l’oppression et l’«empowerment». Elle raconte cette histoire complexe et multiforme de la Karuppi, tout en exhortant chacun et chacune d’entre nous à repenser notre identité et notre «naming» à nos propres yeux, à ceux des autres et par le monde en général. Cette pièce a d’abord été jouée parmi les femmes qui y sont dépeintes dans diverses parties du nord, de l’est et du centre du Sri Lanka. Elle a été montée dans de petites salles pour des groupes de 20 à 40 travailleuses de ces régions. Elle aussi été jouée devant un auditoire de la diaspora tamoule sri-lankaise plus tôt cette année. Les déplacements de ce spectacle ont joué un rôle essentiel dans l’élaboration de sa forme actuelle.

À propos des artistes:

Texte rédigé par V. Geetha, historienne féministe et activiste, Tamilnadu, Inde
Mise en scène: A. Mangai, femme de théâtre féministe, Tamilnadu, Inde
Production: La Marappachi Trust, une collective de bénévoles qui crée des pièces de théâtre sur toute une gamme de sujets dans une perspective féministe.
Décors et régie de scène: Indu Vashist, militante féministe et chercheure queer, Toronto, Canada. Membre de la collective Marappachi.
Actrice: Ponni Arasu, queer, féministe, activiste, chercheure et praticienne de théâtre tamoule. Étudiante graduée, Département d’histoire, Université de Toronto.

Le petit coin intact: Une performance bilingue d’auto-ethnographie


Un monologue bilingue (FR/EN) réalisée avec environnement sonore et projections. Le titre de cette série de courtes vignettes se réfère à un noyau de plénitude et de force que l’on trouve si souvent dans les récits les plus extrêmes de violence. Ancré dans la propre histoire de la famille de l’artiste, il explore les préoccupations et les aspirations partagées autour d’un héritage intergénérationnel de traumatismes.

J’ai lutté pendant des décennies avec ce que cela signifie d’être rwando-canadienne, avec la façon dont s’est incarnée pour moi, pour ma famille, ma communauté, mon pays et mon monde, le récit rwandais tourmenté de colonialisme, de guerre, de génocide, de dislocation et de pauvreté. J’ai quelques idées. Mais avant que je puisse demander aux autres de risquer d’avancer vers le bien-être que je désire, je dois prendre le bâton de parole, entrer d’un pas dans le cercle de l’histoire et explorer ces risques moi-même.

Il s’agit de la réflexion dramatique d’une femme sur le fait de tenir fermement à des choses qui méritent d’être retenues… et de lâcher prise de tout le reste.

À propos des artistes:

Créatrice/interprète: Lisa Ndejuru

Mon histoire je la connais de mieux en mieux dans ce qu’elle est faite de l’histoire des miens. J’ai de plus en plus les pieds sur terre et l’envie de mettre les mains à la . . . pâte? J’ai été interrompue par la mort, le meurtre, l’insensé, le sentiment de culpabilité, la sensation de ne pas prendre ma place, de me soustraire à mes obligations, l’échec de l’inachevé. Je renais à l’envie d’agir. Mon intérêt est pour l’espace sans entraves. Enfermée comme je suis du dedans par la peur de l’affranchi et le risque de vivre. L’histoire menace de mort le courage de prendre ma place et de l’assumer. J’aime l’idée de m’ouvrir à ma propre fragilité que je soupçonne moins grande que l’ombre qu’elle laisse planer. Et j’anticipe avec bonheur la fierté au bout du «processus exigeant qui s’inscrit dans la durée».

Environnement sonore et projections: David Ward

Monologues queer de salles de toilette

9:30-10:30Monologues queer de salles de toilette est une performance ethnographique rédigée par Sheila Cavanagh sur le vécu des lesbiennes, des gays, des bisexuels et des trans dans les salles de toilette publiques du Canada. Elle est fondée sur 100 entretiens réalisés avec des personnes LGBT pour un livre primé en 2010, Queering Bathrooms: Gender, Sexuality and the Hygienic Imagination, également rédigé par Cavanagh. Ces récits nous ouvrent les yeux sur la vie sexuelle secrète de la salle de toilette et sur l’histoire des politiques culturelles concernant le genre de ces pièces. Vous ne regarderez plus jamais la salle de toilette de la même façon après avoir été témoin des reconstitutions dramatiques et passionnées de ce qui se passait dans les W.C.

Une production amateur de cette pièce a d’abord eu lieu au Festival Fringe de Toronto, du 6 au 17 juillet 2011, et a remporté le Prix du Public. QBM a depuis été mis en scène et lu à des conférences relatives aux droits humains, ainsi que dans des universités et collèges du Canada et des États-Unis. La pièce sera montée professionnellement au théâtre Buddies in Bad Times, à Toronto, en juin 2014.

Visitez pour plus de renseignements.

À propos des artistes:

Réalisatrice: Megan Watson
Acteur: Hallie Burt
Acteur: Tyson James
Acteur: Chy Ryan Espagne
Dramaturge: Sheila Cavanagh

Grève des travailleuses d’Eaton’s 1984-1985


Il s’agit d’une pièce créée spécialement pour rendre compte de ce qu’ont vécu en au cours de leur grève de 1984-1985 les vendeuses au détail torontoises de ce qui a déjà été le plus grand établissement de détail au Canada, Eaton’s. Un syndicat féminin, Organized Working Women, a joué un rôle crucial dans ce conflit, de concert avec le Labour Conseil du travail du Toronto métropolitain, pour rassembler un vaste soutien à cette grève de la part des syndicats, du mouvement des femmes et de la collectivité, au sein de la Coalition de soutien à la grève des femmes. Le litige a été marqué par des rassemblements spectaculaires, des défilés, des concerts et une abondante couverture médiatique qui ont abouti à un large soutien public pour cette lutte des travailleuses contre cette icône canadienne de la vente au détail. Ce fut un très bon moment.

À propos des artistes:

Réalisateur: Vrenia Ivonoffski est la fondatrice et directrice artistique de l’ACT II STUDIO. Elle enseigne à la George Brown Theatre School depuis 1987 et a aussi donné des cours d’art dramatique à la Ryerson Theatre School, l’Université de Guelph et au Collège Sheridan. Vrenia a accumulé plus de 30 mises en scène dans des salles comme le Gryphon Theatre, le Blyth Festival, la Huron Country Playhouse, le Harbourfront Theatre, le Ford Centre et le Festival Fringe de Calgary. Auteure et dramaturge, elle a écrit 12 pièces de théâtre, dont Leacock Live!, une comédie musicale adaptée de l’œuvre de Leacock, et qui a reçu le Prix du Public au Festival Fringe de Toronto en 2010.

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